Iba a seguir el estilo de Ulo pero no encuentro ninguna crítica en filmaffinity que me refleje, asi que:
The Host. Originalidad a raudales, un comienzo vibrante y sorprendente, poco previsible, concentrada en las emociones humanas, buen gusto por lo absurdo. Eso sí, hay algunas cosas que no se sostienen del todo. Toda una sorpresa (y en filmaffinity un 5,8... entre esto, lo de El Bosque y lo de Avatar, dejo de fiarme de las notas de esa página). 7
Celda 211. Va muy bien hasta que se tuerce. Tanto los primeros 20 minutos (un poco más) como los últimos están bien hechos, rodados y demás, pero cojones, el giro que te lleva de una situación a otra no se sostiene por ningún sitio. Ahora bien, le salva el buen hacer de los actores y del director. 5
CINE (Hablemos de películas)
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La vida secreta de las palabras 4/10
Película flojita flojita
Una pena pero esta película es de lo más flojito de Isabel Coixet, los actores hacen lo que pueden con una película que chirría de principio a fín. Todo esta forzado: historia, personajes, diálogos, .... Todo demasiado pretencioso y metido con calzador. No basta con tener maneras de buena directora, plantear una idea en un escenario poético o tener una técnica cinematográfica que ya quisieran muchos directores tanto españoles como extranjeros, hay que desarrollar historias y personajes creibles, y ese es precisamente el fallo de esta pelicula que todo en ella tiene un tufillo de encaje que termina por no ser creible.
La historia en sí esta llena de simplezas, tópicos y absurdos -ejemplos varios: como sin más decide ser la enfermera tras comerse un wok, o simplemente, por que narices no se llevan al enfermo al hospital al principio y deciden llevarlo al final porque no le baja la fiebre-, los personajes principales forzadisimos, los secundarios carecen de interés alguno -todos los estereótipos a granel del cine independiente: tipos torturados que parecen especiales porque quieren estar sólos (??), esta el negro bailarín, el freak que recoge mejillones, los 2 gays que no aportan nada de nada....y hasta el abuelo lobo-de-mar-canoso-. Los diálogos entre los 2 personajes principales son de un dramatismo de tebeo, una historia de amor que no emociona ni de lejos, una historia paralela con L.Watling que no pega ni con cola, mil escenas de chiste (Tim Robbins tumbado en el suelo con la botella parece salido de un video musical de guns´n´roses).... Y bueno del final prefiero olvidarme, la última media hora es pura telenovela venezolana, moralina, pose y frases pedantes incluidas.
Lo mejor, el perfecto acento balcánico de Sara Polley, el pretendido homenaje a las victimas y algunas escenas geniales visualmente. Lo peor: todo lo anterio, es decir, el resto (incluido J.Cámara haciendo de J.Cámara)
Otra vez será
Película flojita flojita
Una pena pero esta película es de lo más flojito de Isabel Coixet, los actores hacen lo que pueden con una película que chirría de principio a fín. Todo esta forzado: historia, personajes, diálogos, .... Todo demasiado pretencioso y metido con calzador. No basta con tener maneras de buena directora, plantear una idea en un escenario poético o tener una técnica cinematográfica que ya quisieran muchos directores tanto españoles como extranjeros, hay que desarrollar historias y personajes creibles, y ese es precisamente el fallo de esta pelicula que todo en ella tiene un tufillo de encaje que termina por no ser creible.
La historia en sí esta llena de simplezas, tópicos y absurdos -ejemplos varios: como sin más decide ser la enfermera tras comerse un wok, o simplemente, por que narices no se llevan al enfermo al hospital al principio y deciden llevarlo al final porque no le baja la fiebre-, los personajes principales forzadisimos, los secundarios carecen de interés alguno -todos los estereótipos a granel del cine independiente: tipos torturados que parecen especiales porque quieren estar sólos (??), esta el negro bailarín, el freak que recoge mejillones, los 2 gays que no aportan nada de nada....y hasta el abuelo lobo-de-mar-canoso-. Los diálogos entre los 2 personajes principales son de un dramatismo de tebeo, una historia de amor que no emociona ni de lejos, una historia paralela con L.Watling que no pega ni con cola, mil escenas de chiste (Tim Robbins tumbado en el suelo con la botella parece salido de un video musical de guns´n´roses).... Y bueno del final prefiero olvidarme, la última media hora es pura telenovela venezolana, moralina, pose y frases pedantes incluidas.
Lo mejor, el perfecto acento balcánico de Sara Polley, el pretendido homenaje a las victimas y algunas escenas geniales visualmente. Lo peor: todo lo anterio, es decir, el resto (incluido J.Cámara haciendo de J.Cámara)
Otra vez será
Inpedependenzia de Torrent ya!
Si existiese el partido ulista me daría de baja
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Lugares comunes 8/10
1789
Una película extremadamente idealista, que nos incita a reflexionar sobre las distintas actitudes frente a la vida: la elección sobre si vivir lleno de ideales pero pobre en el país que te vio nacer o si emanciparte y tener un futuro promisorio en otro pero sentirte un desertor, sobre si el mayor acervo que un ser humano puede acumular en esta vida es el cultural e ideológico o el amontonar riquezas materiales, sobre el poder de saber “pensar” por sobre el actuar automáticamente, el asumir el fracaso de no poder cumplir las metas y cambiar de rumbo cuando las situaciones así lo exijan, etc.
Una cinta llena ideas lúcidas, pueden llegar a ser cuestionables sobre la corrección política o no, pero nunca este filme puede dejar indiferente dado el fuente carácter ideológico y sensibilizador que promueve.
Federico Luppi encarna al profesor de literatura tremendamente soñador y convencido de sus ideas revolucionarias, Mercedes Sampietro como la mujer incondicional que lo sigue y apoya tanto en las buenas como en las malas, y Arturo Puig como el siempre confiable amigo que aconseja cómo desenvolverse en una sociedad capitalista que discrimina y deja fuera de su sistema a muchos pensadores.
Fuertes ráfagas discursivas dejan en claro con diálogos inteligentes y punzantes lo que es el amor y la amistad verdaderos, lo que es pensar y proyectar la vida en torno a utopías como la libertad, la igualdad y la fraternidad.
1789
Una película extremadamente idealista, que nos incita a reflexionar sobre las distintas actitudes frente a la vida: la elección sobre si vivir lleno de ideales pero pobre en el país que te vio nacer o si emanciparte y tener un futuro promisorio en otro pero sentirte un desertor, sobre si el mayor acervo que un ser humano puede acumular en esta vida es el cultural e ideológico o el amontonar riquezas materiales, sobre el poder de saber “pensar” por sobre el actuar automáticamente, el asumir el fracaso de no poder cumplir las metas y cambiar de rumbo cuando las situaciones así lo exijan, etc.
Una cinta llena ideas lúcidas, pueden llegar a ser cuestionables sobre la corrección política o no, pero nunca este filme puede dejar indiferente dado el fuente carácter ideológico y sensibilizador que promueve.
Federico Luppi encarna al profesor de literatura tremendamente soñador y convencido de sus ideas revolucionarias, Mercedes Sampietro como la mujer incondicional que lo sigue y apoya tanto en las buenas como en las malas, y Arturo Puig como el siempre confiable amigo que aconseja cómo desenvolverse en una sociedad capitalista que discrimina y deja fuera de su sistema a muchos pensadores.
Fuertes ráfagas discursivas dejan en claro con diálogos inteligentes y punzantes lo que es el amor y la amistad verdaderos, lo que es pensar y proyectar la vida en torno a utopías como la libertad, la igualdad y la fraternidad.
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Si existiese el partido ulista me daría de baja
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La gata sobre el tejado de zinc 9/10
Arde Mississippi
Tennessee Williams era asfixia, calor sofocante. Era un dramaturgo tan opresivo como el vapor hirviente dentro de una olla express. Era el clima ardoroso en el Sur, donde lo que menos ahogaba era la canícula.
Uno de los más grandes dramaturgos de la historia, desmenuzó una agonía de tormentos psicológicos en unos argumentos y unos personajes torturados, aprisionados entre los barrotes del fracaso existencial.
Williams, alcohólico, adicto a los calmantes y a las drogas, posiblemente recreó en su protagonista, Brick, gran parte de las angustias que a él mismo lo consumían. Alguna vez he leído que lo más acertado es escribir acerca de lo que se conoce. Y estoy más que convencida de que Tennessee, de verdadero nombre Thomas Lanier, escribió acerca de cosas que conocía muy bien. Las decepciones afectivas en el plano familiar, la agresividad de su padre, la quebradiza salud mental de su querida hermana Rose... Hay muchas familias que no son felices y que viven un infierno casi constante, unidas tan sólo por los lazos de la farsa, o que han olvidado en algún peldaño el cariño, la confianza y la comunicación que pudieron poseer en un principio, y que no deberían haber extraviado. Aunque también suele suceder que desde el comienzo nunca hubo cariño verdadero. Y ahí está la fuente del fracaso.
Maggie, la frustrada esposa de Brick, se revuelve como una gata colérica, como si estuviera posada sobre un tejado recalentado que le quemara los pies. Nada parece sacudir de su apatía a su marido, decidido a dejarse morir lentamente en el abrazo evasivo del whisky.
En un tórrido día de verano, en la plantación algodonera familiar de Mississippi, se desatan las fieras con motivo del 65 cumpleaños del patriarca. Las mentiras se van cayendo, las máscaras se destapan para exhibir la verdad desnuda, sin ornamentos, sin adornos que amortigüen la seca certeza del desamor, de la rapiña, del desprecio. Las personas, incluso las que más se quieren unas a otras, tienen tendencia a alejarse, a destruirse, a atacarse, y a no comprenderse. Hay un punto en la difícil trayectoria en el que se escoge ignorar egoístamente a esos seres que más nos necesitan, seguramente por cobardía, por desidia y por nuestra natural inclinación a deplorar lo que poseemos.
Y es triste que haya que llegar al final y darse cuenta de que queda muy poco aliento, para despertar y ser consciente de lo que se ha perdido.
Pero puede que nunca sea demasiado tarde para ciertas cosas. Puede que no lo sea, mientras exista hálito, mientras el cuerpo, el corazón y la mente sigan en pie, para reconciliarse. El espíritu tiene infinitos recodos, y se está a tiempo de hallar el adecuado, dando con la puerta precisa.
Arde Mississippi
Tennessee Williams era asfixia, calor sofocante. Era un dramaturgo tan opresivo como el vapor hirviente dentro de una olla express. Era el clima ardoroso en el Sur, donde lo que menos ahogaba era la canícula.
Uno de los más grandes dramaturgos de la historia, desmenuzó una agonía de tormentos psicológicos en unos argumentos y unos personajes torturados, aprisionados entre los barrotes del fracaso existencial.
Williams, alcohólico, adicto a los calmantes y a las drogas, posiblemente recreó en su protagonista, Brick, gran parte de las angustias que a él mismo lo consumían. Alguna vez he leído que lo más acertado es escribir acerca de lo que se conoce. Y estoy más que convencida de que Tennessee, de verdadero nombre Thomas Lanier, escribió acerca de cosas que conocía muy bien. Las decepciones afectivas en el plano familiar, la agresividad de su padre, la quebradiza salud mental de su querida hermana Rose... Hay muchas familias que no son felices y que viven un infierno casi constante, unidas tan sólo por los lazos de la farsa, o que han olvidado en algún peldaño el cariño, la confianza y la comunicación que pudieron poseer en un principio, y que no deberían haber extraviado. Aunque también suele suceder que desde el comienzo nunca hubo cariño verdadero. Y ahí está la fuente del fracaso.
Maggie, la frustrada esposa de Brick, se revuelve como una gata colérica, como si estuviera posada sobre un tejado recalentado que le quemara los pies. Nada parece sacudir de su apatía a su marido, decidido a dejarse morir lentamente en el abrazo evasivo del whisky.
En un tórrido día de verano, en la plantación algodonera familiar de Mississippi, se desatan las fieras con motivo del 65 cumpleaños del patriarca. Las mentiras se van cayendo, las máscaras se destapan para exhibir la verdad desnuda, sin ornamentos, sin adornos que amortigüen la seca certeza del desamor, de la rapiña, del desprecio. Las personas, incluso las que más se quieren unas a otras, tienen tendencia a alejarse, a destruirse, a atacarse, y a no comprenderse. Hay un punto en la difícil trayectoria en el que se escoge ignorar egoístamente a esos seres que más nos necesitan, seguramente por cobardía, por desidia y por nuestra natural inclinación a deplorar lo que poseemos.
Y es triste que haya que llegar al final y darse cuenta de que queda muy poco aliento, para despertar y ser consciente de lo que se ha perdido.
Pero puede que nunca sea demasiado tarde para ciertas cosas. Puede que no lo sea, mientras exista hálito, mientras el cuerpo, el corazón y la mente sigan en pie, para reconciliarse. El espíritu tiene infinitos recodos, y se está a tiempo de hallar el adecuado, dando con la puerta precisa.
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Si existiese el partido ulista me daría de baja
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El laberinto del fauno 5/10
Maniqueísmo sonrojante escasamente fantástico
Como se ha dicho tantas veces, el maniqueísmo siempre ha estado presente en el cine. Ya desde 'El nacimiento de una Nación' de Griffith, pasando por numerosas películas de John Ford, David Lean, Ken Loach, etc., hasta llegar a las de George Clooney, toda la historia del celuloide ha estado plagada de filmes donde los buenos eran buenísimos, y los malos, absolutamente deleznables. Y, no obstante, muchas de esas películas son de una innegable calidad. Por lo tanto, el maniqueísmo, en sí mismo, no es óbice para que una película sea descartable 'ab initio'.
El problema surge cuando ese maniqueísmo nace de un guión muy flojo, se vende como lo que no es (en este caso como una película fantástica), engañando al espectador, tiene momentos de puesta en escena absolutamente vergonzantes, unas actuaciones en la mayor parte de los casos muy mejorables, además de un ritmo bastante flojo, que hace que la película llegue a aburrir en más de una ocasión. Y por si fuera poco, tiene un puntito (más bien 'puntazo') 'gore' que no se sabe muy bien a que viene. Imagino que para reforzar la maldad de los malvados, pero aún así se la podría haber ahorrado, sobre todo teniendo en cuenta que, atraídos por la publicidad fantástica del filme, muchos padres fueron con sus hijos.
Aún así, a la película la salvan (por los pelos) unos apartados técnicos decentes (sobre todo teniendo en cuenta el presupuesto) y una estupenda banda sonora.
Sin embargo, sus notables carencias no han impedido que la película goce de una crítica excelente (sobre todo dentro de nuestras fronteras), aunque imagino que no hará falta explicar el porqué. Con un poco menos de la (escasa) imaginación que puebla este filme podrá adivinarlo...
Maniqueísmo sonrojante escasamente fantástico
Como se ha dicho tantas veces, el maniqueísmo siempre ha estado presente en el cine. Ya desde 'El nacimiento de una Nación' de Griffith, pasando por numerosas películas de John Ford, David Lean, Ken Loach, etc., hasta llegar a las de George Clooney, toda la historia del celuloide ha estado plagada de filmes donde los buenos eran buenísimos, y los malos, absolutamente deleznables. Y, no obstante, muchas de esas películas son de una innegable calidad. Por lo tanto, el maniqueísmo, en sí mismo, no es óbice para que una película sea descartable 'ab initio'.
El problema surge cuando ese maniqueísmo nace de un guión muy flojo, se vende como lo que no es (en este caso como una película fantástica), engañando al espectador, tiene momentos de puesta en escena absolutamente vergonzantes, unas actuaciones en la mayor parte de los casos muy mejorables, además de un ritmo bastante flojo, que hace que la película llegue a aburrir en más de una ocasión. Y por si fuera poco, tiene un puntito (más bien 'puntazo') 'gore' que no se sabe muy bien a que viene. Imagino que para reforzar la maldad de los malvados, pero aún así se la podría haber ahorrado, sobre todo teniendo en cuenta que, atraídos por la publicidad fantástica del filme, muchos padres fueron con sus hijos.
Aún así, a la película la salvan (por los pelos) unos apartados técnicos decentes (sobre todo teniendo en cuenta el presupuesto) y una estupenda banda sonora.
Sin embargo, sus notables carencias no han impedido que la película goce de una crítica excelente (sobre todo dentro de nuestras fronteras), aunque imagino que no hará falta explicar el porqué. Con un poco menos de la (escasa) imaginación que puebla este filme podrá adivinarlo...
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Persépolis 8/10
UNA PUJANTE CULTURA DE CRÍTICA Y DENUNCIA LATE EN LA JOVEN SOCIEDAD IRANÍ
Persépolis (palabra griega que significa «la ciudad persa»), fue la capital del Imperio Persa allá por el siglo V a. C. Es decir, el título de este film nos conduce de entrada a Irán (la antigua Persia), país asiático del que se nos presenta su historia más reciente, en concreto desde aproximadamente la caída del Sha (emperador de Irán), Mohammad Reza Pahlevi o inicios de la Revolución Iraní de 11 de febrero de 1979, hasta la actualidad.
El guión se centra, por medio un desarrollo de dibujos animados sobrios y casi sin más colores que el blanco y negro, en una familia liberal de iraníes cuya niña es la protagonista que va siendo testigo de como la sociedad en la que vive evoluciona para atrás en vez de para adelante. En principio parte de esa familia ha sido víctima de la persecución y abusos del regimen del Sha, con lo cual se alegran cuando éste es derrocado; pero pronto descubren que el sistema islámico que se alza con el poder resulta aún peor, más dictatorial, más oscurantista, más secuestrador de las libertades y ladronazo de los derechos individuales, sobre todo los de las mujeres.
El film es de denuncia pura y dura contra el actual modelo político-religioso de Irán, ese regimen sórdido y mezquino que tanto alaba el "hablador de verdades" y presidente de Venezuela, Hugo Chávez, donde la religión y la mentalidad de corto alcance de los clérigos islámicos ocupa el lugar de la democracia. Una película muy recomendable para que la vean todas esas mujeres que acá en los países de Occidentes, aprovechándose de las libertades y la democracia de Europa o EE.UU., quieren vendernos a los demás que su vestir o cubrirse con el velo es una maravilla para las féminas y un signo de liberación femenina. Una película animada que debían ver tanto las niñas como ciertas madres musulmanas residentes en Europa, ésas que fanatizan las cabezas de sus hijitas enviándolas desde muy niñas a la escuela con sus testas ocultas hasta los ojos, de lo que hacen mucha gala y propaganda, condicionándolas directa o indirectamente a ser ovejitas morras de los machos del Islam.
En definitiva, una buena película para desenmascarar patrañas pseudo-religiosas o pseudo-progres, en concreto las de los carentes de autocrítica y fanáticos del respeto a las costumbres de otros pueblos, aunque éstas sean un atentado contra la libertad y los derechos de LA DECLARACIÓN UNIVERSAL DE LOS DERECHOS DEL SER HUMANO. Por supuesto siempre tendremos en contra a los "progres de fachada", que defenderán esas formas de miedo, como las que se dan en Irán (cada vez más contestadas por los universitarios), alegando que son parte de su cultura y no tenemos derecho a arrebatársela.
Vean este film y juzgen por si mismos.
UNA PUJANTE CULTURA DE CRÍTICA Y DENUNCIA LATE EN LA JOVEN SOCIEDAD IRANÍ
Persépolis (palabra griega que significa «la ciudad persa»), fue la capital del Imperio Persa allá por el siglo V a. C. Es decir, el título de este film nos conduce de entrada a Irán (la antigua Persia), país asiático del que se nos presenta su historia más reciente, en concreto desde aproximadamente la caída del Sha (emperador de Irán), Mohammad Reza Pahlevi o inicios de la Revolución Iraní de 11 de febrero de 1979, hasta la actualidad.
El guión se centra, por medio un desarrollo de dibujos animados sobrios y casi sin más colores que el blanco y negro, en una familia liberal de iraníes cuya niña es la protagonista que va siendo testigo de como la sociedad en la que vive evoluciona para atrás en vez de para adelante. En principio parte de esa familia ha sido víctima de la persecución y abusos del regimen del Sha, con lo cual se alegran cuando éste es derrocado; pero pronto descubren que el sistema islámico que se alza con el poder resulta aún peor, más dictatorial, más oscurantista, más secuestrador de las libertades y ladronazo de los derechos individuales, sobre todo los de las mujeres.
El film es de denuncia pura y dura contra el actual modelo político-religioso de Irán, ese regimen sórdido y mezquino que tanto alaba el "hablador de verdades" y presidente de Venezuela, Hugo Chávez, donde la religión y la mentalidad de corto alcance de los clérigos islámicos ocupa el lugar de la democracia. Una película muy recomendable para que la vean todas esas mujeres que acá en los países de Occidentes, aprovechándose de las libertades y la democracia de Europa o EE.UU., quieren vendernos a los demás que su vestir o cubrirse con el velo es una maravilla para las féminas y un signo de liberación femenina. Una película animada que debían ver tanto las niñas como ciertas madres musulmanas residentes en Europa, ésas que fanatizan las cabezas de sus hijitas enviándolas desde muy niñas a la escuela con sus testas ocultas hasta los ojos, de lo que hacen mucha gala y propaganda, condicionándolas directa o indirectamente a ser ovejitas morras de los machos del Islam.
En definitiva, una buena película para desenmascarar patrañas pseudo-religiosas o pseudo-progres, en concreto las de los carentes de autocrítica y fanáticos del respeto a las costumbres de otros pueblos, aunque éstas sean un atentado contra la libertad y los derechos de LA DECLARACIÓN UNIVERSAL DE LOS DERECHOS DEL SER HUMANO. Por supuesto siempre tendremos en contra a los "progres de fachada", que defenderán esas formas de miedo, como las que se dan en Irán (cada vez más contestadas por los universitarios), alegando que son parte de su cultura y no tenemos derecho a arrebatársela.
Vean este film y juzgen por si mismos.
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Gran Torino 2/10
no la hemos visto con los mismos ojos.........menos mal porque estos son sólo míos
Un militar retirado, excombatiente de Corea y jubilado del sector del automóvil cuya máxima pasión es cuidar de su coche Gran Torino del 72; inflexible y con una voluntad de hierro debe enfrentarse a sus prejuicios frente a sus vecinos inmigrantes. El oficio y la pericia de Eastwood enmascara una composición ajustada a los formalismos (con perdón) del telefilm y a los tópicos de su cine: familia interesada, conflicto fe y religión, la guerra. Con un guión predecible y, en ocasiones, falto de credibilidad junto a una fácil comicidad, naufraga en la progresión de las emociones, en la transición y profundidad de los personajes y sus relaciones y en los sentimientos que mueven las acciones de los mismos. Enésima y rentable interpretación del héroe-duro que es imprescindible ver en su versión original.
Critica y II
Vaya montón de mierda !!!
Anoche fui a ver "Gran Torino" y resulto ser una gran m.
Me quede muy decepcionado, después de buenas películas de C.E. como "Mistic River" creía que esta iba a estar a la misma altura, y mas habiendo leído las buenas criticas de periodistas y publico.
Como refleja el titulo de la crítica, la mayor parte del metraje de la película (que es excesivo) me ha parecido horrible.
Solo me cabe destacar los cinco minutos, en esa escena sacada de los western.
La película saca a relucir todas las típicas "americanadas" la mayoría malas.....
Apología de las armas, Insultos y descalificaciones por doquier, superhéroe de guerra que quieres ser mártir, chistes malísimos como cambiarles los nombres a la gente asiática, en fin...
La película no se si pretende ser realista o no, pero bajo mi punto de vista no consigue serlo en absoluto.
Es una película hecha a medida del señor Eastwood, para su lucimiento, y transmitir no se que enseñanzas, chulerías y toda la parafernalia y valores yankis.
Lo que peor me sabe no es que se hagan peliculas tan malas y con esos valores, lo que realmente no entiendo y me molesta son las criticas tan positivas que ha recibido y las cuales no comparto en absoluto.
Francamente no recomiendo esta película (si es que no eres un incondicional de C.E. y/o de la cultura americana..... pero de la mala).
Un saludo.
no la hemos visto con los mismos ojos.........menos mal porque estos son sólo míos
Un militar retirado, excombatiente de Corea y jubilado del sector del automóvil cuya máxima pasión es cuidar de su coche Gran Torino del 72; inflexible y con una voluntad de hierro debe enfrentarse a sus prejuicios frente a sus vecinos inmigrantes. El oficio y la pericia de Eastwood enmascara una composición ajustada a los formalismos (con perdón) del telefilm y a los tópicos de su cine: familia interesada, conflicto fe y religión, la guerra. Con un guión predecible y, en ocasiones, falto de credibilidad junto a una fácil comicidad, naufraga en la progresión de las emociones, en la transición y profundidad de los personajes y sus relaciones y en los sentimientos que mueven las acciones de los mismos. Enésima y rentable interpretación del héroe-duro que es imprescindible ver en su versión original.
Critica y II
Vaya montón de mierda !!!
Anoche fui a ver "Gran Torino" y resulto ser una gran m.
Me quede muy decepcionado, después de buenas películas de C.E. como "Mistic River" creía que esta iba a estar a la misma altura, y mas habiendo leído las buenas criticas de periodistas y publico.
Como refleja el titulo de la crítica, la mayor parte del metraje de la película (que es excesivo) me ha parecido horrible.
Solo me cabe destacar los cinco minutos, en esa escena sacada de los western.
La película saca a relucir todas las típicas "americanadas" la mayoría malas.....
Apología de las armas, Insultos y descalificaciones por doquier, superhéroe de guerra que quieres ser mártir, chistes malísimos como cambiarles los nombres a la gente asiática, en fin...
La película no se si pretende ser realista o no, pero bajo mi punto de vista no consigue serlo en absoluto.
Es una película hecha a medida del señor Eastwood, para su lucimiento, y transmitir no se que enseñanzas, chulerías y toda la parafernalia y valores yankis.
Lo que peor me sabe no es que se hagan peliculas tan malas y con esos valores, lo que realmente no entiendo y me molesta son las criticas tan positivas que ha recibido y las cuales no comparto en absoluto.
Francamente no recomiendo esta película (si es que no eres un incondicional de C.E. y/o de la cultura americana..... pero de la mala).
Un saludo.
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Ciudadano Kane 3/10
El tocomocho Kane.
Una de las pelis más aburridas de la historia del cine, todo un pastel añejo. Sobrevalorada, muy sobrevalorada. Uno de los mayores -sinó el más grande- y más tempranos engaños de Hollywood, un auténtico tocomocho a la americana.
Tediosa, pesada, larga, muy larga para lo poco que cuenta, a la media hora de partido ya sabes que no va a despegar, que no habrá mucho más. Un sacrificio ante la pantalla. Y de esta manera decae hasta casi morir.
El principio es la única parte que me gustó, donde los periódicos van contándonos de una forma muy fluida un montón de noticias sobre Kane.
La sensación de irrealidad invade en muchas ocasiones al film, como cuando están en ese salón enorme de Xanadú. Y la verdad es que hay pocas cosa verosímiles aquí: el único personaje que parece humano y creíble es Lelland.
Sólo es creíble cuando aparecen los periodistas, esto parece otra cosa, sí me convence; el resto no. El protagonista, Welles, pésimo, que mal actúa,... y menuda cabeza tiene el tío!
El tocomocho Kane.
Una de las pelis más aburridas de la historia del cine, todo un pastel añejo. Sobrevalorada, muy sobrevalorada. Uno de los mayores -sinó el más grande- y más tempranos engaños de Hollywood, un auténtico tocomocho a la americana.
Tediosa, pesada, larga, muy larga para lo poco que cuenta, a la media hora de partido ya sabes que no va a despegar, que no habrá mucho más. Un sacrificio ante la pantalla. Y de esta manera decae hasta casi morir.
El principio es la única parte que me gustó, donde los periódicos van contándonos de una forma muy fluida un montón de noticias sobre Kane.
La sensación de irrealidad invade en muchas ocasiones al film, como cuando están en ese salón enorme de Xanadú. Y la verdad es que hay pocas cosa verosímiles aquí: el único personaje que parece humano y creíble es Lelland.
Sólo es creíble cuando aparecen los periodistas, esto parece otra cosa, sí me convence; el resto no. El protagonista, Welles, pésimo, que mal actúa,... y menuda cabeza tiene el tío!
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Mar adentro 2/10
Insufrible
Una pésima película, que intenta impresionar o emocionar a toda costa y no logra conmover en lo más mínimo.
Injustificablemente ganadora del premio Oscar a mejor film de habla no inglesa, es sabida la patética debilidad de la Academia hacia películas que tratan sobre enfermedades incurables o discapacidades (hasta tal punto que el mejor actor de la historia tuvo que hacer de ciego en el peor film de su carrera -Perfume de mujer- para llevarse su primer y única estatuilla).
Ya de por sí un hombre que vivió los últimos treinta años de su vida postrado en una cama tras un feroz accidente que no le dejó otra opción y que prefiere morir a seguir viviendo de esa manera, no parece tratarse de una historia de la cual se espere mucho. Pero bueno, tan premiada fue que me senté a verla realmente ansioso.
Pero no, me equivoqué y fiero. Ni suspenso, ni comicidad, una mínima tonalidad dramática, todo muy superficial y exagerado. Poco emocionante, muy pobremente filmada y llevada a cabo con un total aburrimiento, y un guión que roza lo absurdo. Para colmo, un actor principal que habla de manera tan rápida y cerrada, con una tonada gallega verdaderamente irritable e inentendible, apenas pude captar alguna de sus frases por completo. Como si todo esto fuera poco, la aparición de dos mujeres (la abogada y la vecina) que pretenden darle un giro a la película, como tratando de añadirle condimentos y no hacen más que terminar de hundirla en un recipiente de incoherencia del que no logra salir.
Voy a ir más allá, si la película termina a la media hora o bien se transforma en un corto, no se pierde nada; sino que se ahora mucho tiempo.
Realmente no puedo descifrar si la historia no daba para llevarse a una pantalla o si el propio Amenabar no supo como hacerlo. El tema es de la eutanasia es complicado, complejo, controversial y con opiniones muy ampliadas, pero la película es verdaderamente una lástima.
Insufrible
Una pésima película, que intenta impresionar o emocionar a toda costa y no logra conmover en lo más mínimo.
Injustificablemente ganadora del premio Oscar a mejor film de habla no inglesa, es sabida la patética debilidad de la Academia hacia películas que tratan sobre enfermedades incurables o discapacidades (hasta tal punto que el mejor actor de la historia tuvo que hacer de ciego en el peor film de su carrera -Perfume de mujer- para llevarse su primer y única estatuilla).
Ya de por sí un hombre que vivió los últimos treinta años de su vida postrado en una cama tras un feroz accidente que no le dejó otra opción y que prefiere morir a seguir viviendo de esa manera, no parece tratarse de una historia de la cual se espere mucho. Pero bueno, tan premiada fue que me senté a verla realmente ansioso.
Pero no, me equivoqué y fiero. Ni suspenso, ni comicidad, una mínima tonalidad dramática, todo muy superficial y exagerado. Poco emocionante, muy pobremente filmada y llevada a cabo con un total aburrimiento, y un guión que roza lo absurdo. Para colmo, un actor principal que habla de manera tan rápida y cerrada, con una tonada gallega verdaderamente irritable e inentendible, apenas pude captar alguna de sus frases por completo. Como si todo esto fuera poco, la aparición de dos mujeres (la abogada y la vecina) que pretenden darle un giro a la película, como tratando de añadirle condimentos y no hacen más que terminar de hundirla en un recipiente de incoherencia del que no logra salir.
Voy a ir más allá, si la película termina a la media hora o bien se transforma en un corto, no se pierde nada; sino que se ahora mucho tiempo.
Realmente no puedo descifrar si la historia no daba para llevarse a una pantalla o si el propio Amenabar no supo como hacerlo. El tema es de la eutanasia es complicado, complejo, controversial y con opiniones muy ampliadas, pero la película es verdaderamente una lástima.
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Sin Perdón 7/10
El pistolero Eastwood conversa mudamente con su conciencia.
Tras tantos años acostumbrado a participar en westerns, Eastwood se lanzó a dirigir algunas de las películas de vaqueros que él mismo protagonizaba... alcanzando la cima del género con esta cinta que dirige y protagoniza.
Confieso que el western (y sobre todo el spaguetti-western) es un género que no me gusta por lo general. Lo considero repetitivo, sobreexplotado, con personajes altamente estereotipados hechos con escuadra y cartabón, e historias previsibles... todas esas cintas rancias de bajo presupuesto cortadas por el mismo patrón jamás me entretuvieron mínimamente, huída de ellas.
Sin embargo aquí Eastwood condensa lo mejor del género intensíficándolo todo para ofrecernos un drama vaquero poderoso y reflexivo, que nunca llega a ser un tostón, resultando entretenido e interesante conforme avanza. "Sin perdón" supera a la media del género. Se trata de un western intimista, oscuro e intenso, con personajes clásicos del cine western (que si cazarecompensas, taberneros, sheriffs, granjeros, pistoleros, llaneros...) que, soprendentemente se tornan interesantes e inolvidables algunos de ellos.
Su trama es previsible, pero está muy bien ejecutada y desarrollada. La cinta tiene muchos puntos fuertes: unas buenas actuaciones, una ambientación mucho más cuidada y trabajada que en los típicos spaguetti-westerns, un montaje efectivo y, sobre todo, un guión con unos momentos impactantes y unos diálogos inmensos.
Es sobre todo la manera que tienen las actuaciones y el guión de construir a sus personajes lo que hace de ella algo tan bueno. Sus personajes son una delicia y cada uno cumple su función en la trama con creces (Gene Hackman logra un villano gracias al cual nos interesa esa resolución que desamos con todas nuestras fuerzas). Por supuesto destaca Clint Eastwood como ese perro viejo antihéroe, con afamada reputación de tipo duro que te fulmina con la mirada y la mueca torcida. Sin embargo su personaje no es de plastilina como sí lo son los de otros famosos cachas del cine de acción (Scwarzenegger y demás). Eastwood nos regala a un pistolero impasible en su exterior, pero totalmente confundido en su interior. Es increíble como con sus gestos, miradas y expresiones le vemos conversar en silencio con su conciencia, con sus miedos y su tristeza. Su mera presencia despierta interés. Este fue el personaje con el que (dicen) quiso despedirse del público como intérprete en "Gran Torino" (mismo personaje, siglos diferentes).
El pistolero Eastwood conversa mudamente con su conciencia.
Tras tantos años acostumbrado a participar en westerns, Eastwood se lanzó a dirigir algunas de las películas de vaqueros que él mismo protagonizaba... alcanzando la cima del género con esta cinta que dirige y protagoniza.
Confieso que el western (y sobre todo el spaguetti-western) es un género que no me gusta por lo general. Lo considero repetitivo, sobreexplotado, con personajes altamente estereotipados hechos con escuadra y cartabón, e historias previsibles... todas esas cintas rancias de bajo presupuesto cortadas por el mismo patrón jamás me entretuvieron mínimamente, huída de ellas.
Sin embargo aquí Eastwood condensa lo mejor del género intensíficándolo todo para ofrecernos un drama vaquero poderoso y reflexivo, que nunca llega a ser un tostón, resultando entretenido e interesante conforme avanza. "Sin perdón" supera a la media del género. Se trata de un western intimista, oscuro e intenso, con personajes clásicos del cine western (que si cazarecompensas, taberneros, sheriffs, granjeros, pistoleros, llaneros...) que, soprendentemente se tornan interesantes e inolvidables algunos de ellos.
Su trama es previsible, pero está muy bien ejecutada y desarrollada. La cinta tiene muchos puntos fuertes: unas buenas actuaciones, una ambientación mucho más cuidada y trabajada que en los típicos spaguetti-westerns, un montaje efectivo y, sobre todo, un guión con unos momentos impactantes y unos diálogos inmensos.
Es sobre todo la manera que tienen las actuaciones y el guión de construir a sus personajes lo que hace de ella algo tan bueno. Sus personajes son una delicia y cada uno cumple su función en la trama con creces (Gene Hackman logra un villano gracias al cual nos interesa esa resolución que desamos con todas nuestras fuerzas). Por supuesto destaca Clint Eastwood como ese perro viejo antihéroe, con afamada reputación de tipo duro que te fulmina con la mirada y la mueca torcida. Sin embargo su personaje no es de plastilina como sí lo son los de otros famosos cachas del cine de acción (Scwarzenegger y demás). Eastwood nos regala a un pistolero impasible en su exterior, pero totalmente confundido en su interior. Es increíble como con sus gestos, miradas y expresiones le vemos conversar en silencio con su conciencia, con sus miedos y su tristeza. Su mera presencia despierta interés. Este fue el personaje con el que (dicen) quiso despedirse del público como intérprete en "Gran Torino" (mismo personaje, siglos diferentes).
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Si existiese el partido ulista me daría de baja
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Tres colores:Rojo 5/10
El sueño de todo francófono
“Trois couleurs: Rouge” viene a ser el homenaje de un director polaco a la civilización y la ideología galas. Y no es más que un homenaje al uso de lo que se estila en el cine de las gentes a las que va dirigido, y al uso de lo que queda muy bien decir que es alternativo e ingenioso cuando todos sabemos que es una tontería como una catedral.
Dicho todo esto, a mi no me parece aburrida ni densa. Es éste un film que se deja ver y con el que uno puede pasar un ratito agradable en compañía de Irene Jacob y compañía. Los planos están trabajados, a variaciones de profundidad, mucha imagen testimonial, guiños repetidos,... todo un sinfín de amenidades que buscan licuar la trama. Una trama que es la gran pega por ser una mariconada.
Los personajes son tan irreales y las situaciones tan especiales que, simplemente, no cuela, y lo preocupante es que es una constante en el cine francés.
¿Preocupante? No lo es tanto, así disfrutamos de más variedad, pero no deberíamos olvidar que lo difícil es contar la realidad, no inventarla.
El sueño de todo francófono
“Trois couleurs: Rouge” viene a ser el homenaje de un director polaco a la civilización y la ideología galas. Y no es más que un homenaje al uso de lo que se estila en el cine de las gentes a las que va dirigido, y al uso de lo que queda muy bien decir que es alternativo e ingenioso cuando todos sabemos que es una tontería como una catedral.
Dicho todo esto, a mi no me parece aburrida ni densa. Es éste un film que se deja ver y con el que uno puede pasar un ratito agradable en compañía de Irene Jacob y compañía. Los planos están trabajados, a variaciones de profundidad, mucha imagen testimonial, guiños repetidos,... todo un sinfín de amenidades que buscan licuar la trama. Una trama que es la gran pega por ser una mariconada.
Los personajes son tan irreales y las situaciones tan especiales que, simplemente, no cuela, y lo preocupante es que es una constante en el cine francés.
¿Preocupante? No lo es tanto, así disfrutamos de más variedad, pero no deberíamos olvidar que lo difícil es contar la realidad, no inventarla.
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Si existiese el partido ulista me daría de baja
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Frozen Fantasy
- fitipaldis.com #1
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- Joined: 11 Sep 2003, 13:16
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Alicia en el país de las maravillas. Triste, triste, triste. Se salvan las dos reinas (Hathaway y Bonham Carter) y los decorados (venga va, y el gato, que estoy generoso), el resto una mierda, con todas las letras. Y los últimos 10 minuto es de lo más lamentable que he visto en el cine. La estética la salva. 4/10
Persona 10/10
Perturbadora
Película arrebatadora, perturbadora, extraña, enigmática...El amor, el silencio, la palabra, la culpa, la amistad, las relaciones humanas, la vista, el dolor...Las relaciones entre una enfermera y una actriz de teatro le sirven a Bergman para hacer una reflexión metafísica de profundo calado. Desde luego, después de su visión, la película no deja indiferente a nadie, por lo menos a mí a no, pues ha conseguido conmoverme. Las actrices están maravillosas. El peso dramático lo lleva Bibi Andersson, pero Liv Ullman demuestra, incluso sin palabras, que es una de las mejores actrices de la historia del cine. También destacaría la magnífica fotografía en B/N de Sven Nykvist, que habitualmente trabajaba con el maestro Bergman.
Perturbadora
Película arrebatadora, perturbadora, extraña, enigmática...El amor, el silencio, la palabra, la culpa, la amistad, las relaciones humanas, la vista, el dolor...Las relaciones entre una enfermera y una actriz de teatro le sirven a Bergman para hacer una reflexión metafísica de profundo calado. Desde luego, después de su visión, la película no deja indiferente a nadie, por lo menos a mí a no, pues ha conseguido conmoverme. Las actrices están maravillosas. El peso dramático lo lleva Bibi Andersson, pero Liv Ullman demuestra, incluso sin palabras, que es una de las mejores actrices de la historia del cine. También destacaría la magnífica fotografía en B/N de Sven Nykvist, que habitualmente trabajaba con el maestro Bergman.
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Celda 211 8/10
La luz al final del túnel.
Que sí hombre, que se lo merece, que “Celda 211” es la mejor película española del año, que gane los Goya de calle y que sirva para rehabilitar un cine nacional que se estaba perdiendo.
Llevamos demasiado tiempo aguantando a engreídos gafapastas que nos proponen mensajes obtusos para una tarde de colirio. Monzón recupera la esencia del cine quinqui, “La estanquera de Vallecas”, “El pico”, “El Lute”, “El Vaquilla” y tantas y tantas otras que merecían un homenaje. Aquí lo que cuentan son los diálogos, precisos, groseros, directos, macarras, chulescos y muy graciosos. Pero un buen diálogo sólo funciona con un buen actor detrás, y aquí están de dulce casi todos. Huelga hablar de nuevo de Luis Tosar, con un personaje Malamadre que pide una secuela inmediatamente.
Y ya está, que ya sabemos que la verosimilitud del guión es en el mejor de los casos muy dudosa, que tiene un par de escenas made in spain que sobran, y que si no nos encontráramos en el páramo cinematográfico español actual no pasaría de ser de un producto de tabla media-alta. Pero es que la realidad es bien distinta y “Celda 211” ayuda a llevarla mucho mejor.
La luz al final del túnel.
Que sí hombre, que se lo merece, que “Celda 211” es la mejor película española del año, que gane los Goya de calle y que sirva para rehabilitar un cine nacional que se estaba perdiendo.
Llevamos demasiado tiempo aguantando a engreídos gafapastas que nos proponen mensajes obtusos para una tarde de colirio. Monzón recupera la esencia del cine quinqui, “La estanquera de Vallecas”, “El pico”, “El Lute”, “El Vaquilla” y tantas y tantas otras que merecían un homenaje. Aquí lo que cuentan son los diálogos, precisos, groseros, directos, macarras, chulescos y muy graciosos. Pero un buen diálogo sólo funciona con un buen actor detrás, y aquí están de dulce casi todos. Huelga hablar de nuevo de Luis Tosar, con un personaje Malamadre que pide una secuela inmediatamente.
Y ya está, que ya sabemos que la verosimilitud del guión es en el mejor de los casos muy dudosa, que tiene un par de escenas made in spain que sobran, y que si no nos encontráramos en el páramo cinematográfico español actual no pasaría de ser de un producto de tabla media-alta. Pero es que la realidad es bien distinta y “Celda 211” ayuda a llevarla mucho mejor.
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Once (Una vez) 7/10
Con efecto secundario...
Dos personas muy diferentes entre sí, pero unidas por una corriente de simpatía mutua y un amor incondicional a la música, se encuentran en una calle céntrica de Dublín. Un punto de partida interesante, que da paso a una historia bonita y emocionante. La película está dirigida por John Carney, del que recomiendo la muy estimable "On the edge".
Personajes reales muy bien interpretados por la pareja protagonista, una historia simple pero muy emotiva, con un final sensible y valiente, que hace que, al menos a mí, se me ponga un nudo en la garganta.
Muy recomendable para fans de la música, historias de amor no sensibleras y empalagosas y todos aquellos que disfruten con el buen cine.
Lo mejor: La puesta en escena y la química entre la pareja protagonista.
Lo peor: Que alguien piense en un remake. La canción que se repite una y otra vez (sí, lo sé)
Con efecto secundario...
Dos personas muy diferentes entre sí, pero unidas por una corriente de simpatía mutua y un amor incondicional a la música, se encuentran en una calle céntrica de Dublín. Un punto de partida interesante, que da paso a una historia bonita y emocionante. La película está dirigida por John Carney, del que recomiendo la muy estimable "On the edge".
Personajes reales muy bien interpretados por la pareja protagonista, una historia simple pero muy emotiva, con un final sensible y valiente, que hace que, al menos a mí, se me ponga un nudo en la garganta.
Muy recomendable para fans de la música, historias de amor no sensibleras y empalagosas y todos aquellos que disfruten con el buen cine.
Lo mejor: La puesta en escena y la química entre la pareja protagonista.
Lo peor: Que alguien piense en un remake. La canción que se repite una y otra vez (sí, lo sé)
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